Lime Madrid. Juan Carlos Rico. Lo esencial

Si en la bitácora anterior reflexionábamos sobre los temas formales y orgánicos de la manera de explicar un proyecto de investigación en los diferentes formatos de los diversos foros, en la sesión de ayer los cuatro grupos que intervinieron se centraron en la búsqueda de la eficacia para ser capaces de mostrar la parte esencial del proyecto. Consideramos fundamental que los asistentes comprendan claramente cuáles son las intenciones y los fines fundamentales de cada trabajo.

GRUPO 3º. VITRINAS. Tres en uno. De las tres partes que componen su proyecto y que será descrito respectivamente por cada uno de sus miembros, ayer se centraron en la última parte su funcionamiento, que será la base práctica de la comprensión del soporte.

Primero el origen de la idea, después el estudio de las funciones que la vitrina 3D ha de tener dentro del uso museístico y finalmente su aplicación con todos los parámetros tecnológicos, referencias comerciales, prototipos formales y un “decálogo” del buen uso.

Presentación sobre la comunicación de las vitrinas 3D

GRUPO 4º. MOBILIARIO. Tres en tres. Quizás el más complejo de describir su esencia, ya que está dividido en tres partes: base e intenciones, desarrollo de los suelos técnicos en cuanto a diseño y aplicación de los mismos en un sentido topográfico y ergonómico de la exposición y, a su vez, explicadas en poster y comunicaciones separadas en el espacio y en el tiempo. Es decir existe un problema de separación conceptual, espacial y temporal.

No obstante, ayer se discutió, la manera de que las personas interesadas en esta propuesta tengan plena claridad en su explicación del poster y de las dos comunicaciones del día siguiente como un proyecto unitario. Seguro que lo consiguen.

GRUPO 2º. SOPOTES HORIZONTALES. Uno en dos. Este proyecto tiene la ventaja de disponer de una comunicación para la explicación teórica y de un poster para la explicación técnica, que tiene una cierta complejidad, tal y como lo solicito el autor.

Jesús aportó su esquema de presentación y todos dimos nuestra opinión, quedando estructurado en las siguientes partes:

1. Las ventajas de la construcción “seca”
2. La escenografía como modelo más eficaz de dicha tipología
3. Funcionamiento del equipamiento técnica de la escena
4. El montaje de exposiciones como método artesano.
5. INVESTIGACIÓN. Adaptación del equipamiento técnico de la escenografía al mundo expositivo
6. Cambios metodológicos, orgánicos, técnicos y económicos para que funcione se adapte adecuadamente.

GRUPO 6º. DISEÑO GRÁFICO. Dos + uno en uno. La composición de este equipo marca una serie de peculiaridades en su proyecto, lugar por sus tres distintas formaciones (artista, diseñadora gráfica, experta en videojuegos), y además dos componentes están en Madrid y la tercera vive en Chicago.

En mi opinión hay dos elementos fundamentales en su trabajo que han de conseguir reflejar en su exposición de la investigación: la superación del concepto del diseño gráfico en la exposición con una reflexión más profunda sobre lenguaje, comunicación y formas basado en recursos de las artes visuales y escenográficas y, sobretodo, la demo virtual que han configurado como herramienta de trabajo.

Me parece que hay que darle la enorme importancia que tiene a este segundo punto, ya que, independientemente de los logros que la investigación consiga en sí, el hecho de diseñar herramientas de experimentación que permitan a este equipo o, en un futuro a otros, tenerla a su disposición para desarrollar diferentes ideas, no tiene precio.

Repito la reflexión ya hecha en la bitácora anterior: ¡qué difícil es explicar bien una investigación!

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Lime Madrid. Juan Carlos Rico. Reflexiones personales

Aprovechando que en esta semana no tenemos sesión de trabajo, me parecía importante comunicar una serie de pensamientos de la organización de los proyectos del LIME, de la relación que mantienen entre ellos que afortunadamente demuestran una coherencia que va más allá de las intenciones iniciales de esta convocatoria.
Como sabéis, con la idea de los soportes se pretendía algo más profundo que el buen diseño de una serie de elementos expositivos, para ir más allá, en la reflexión sobre los nuevos materiales, las nuevos sistemas industriales de construcción (y por tanto del montaje) y el uso de la tecnología, tras una revisión teórica de los que suponían esos “objetos” en dicha actividad.

Conceptos, percepción espacial (estética, frente a estática) y técnicas, debían ser “deconstruidas” en el sentido literal para generar una nueva “construcción” de todas ellas, teniendo en cuenta factores como la eficacia, el coste económico mínimo y, cambiando las condiciones del trabajo artesanal del montaje, para adaptarlo a los comienzos del presente siglo.

Pues bien, independientemente de cuales sean los resultados finales, estos parámetros de investigación han resultado plenamente satisfactorios.

Integración espacial, industrialización y economía

Creo que los dos primeros proyectos: La adaptación del equipamiento escenográfico a la exposición de Jesús y Los suelos técnicos de Juan Carlos , acompañado por su grupo de mobiliario Lucía y Marta, acometen los tres problemas más importantes del montaje de exposiciones: La cuestión estética, al integrarlo en el espacio; la actualización de la forma de trabajar de acuerdo a los nuevos protocoles de industrialización y tecnificación y la elaboración de un equipamiento estable para la sala que posibilite montajes de coste económico muy bajo.
Pero se da la circunstancia entre estos dos proyectos de ser complementarios: uno trabaja el techo y otro el suelo, los dos unidos convertirían a la sala de exposiciones en un espacio con las posibilidades de montaje prácticamente ilimitadas.

Industrialización individual

El trabajo propuesto por Sara y Paulina, parte de una intencionalidad diferente: la unificación de los soportes verticales y horizontales en una estructura única, adaptable todas las obras, tanto planas como volumétricas y con diferentes posibilidades perceptivas para la propia pieza y su relación con las otras y con el espacio.
De igual manera que los dos proyectos anteriores, sería un equipamiento estable de la sala, que la ofrecería a los distintos montajes para su adaptación. Flexible, fácilmente almacenable y de montaje, reutilizable y sustituible con rapidez, en caso de deterioro, supondría un interesante ahorro en los presupuestos disponibles.

Tecnología

Las otras tres propuestas se basan en la tecnología, utilizada con criterios actuales y sin ningún miedo. Otra de las grandes asignaturas pendientes en los museos. Pero lo más interesante son las tres concepciones con las que se aproximan a ella:

•Realidad física y realidad virtual. El equipo formado por Asun, Teresa, Camila y Sabrina, se enfrentan a la relación entre estos dos planos que, aunque parezca lo contrario, nada tiene que ver: la segunda es “simulación” de la primera, pero nunca la sustituye; son dos lenguajes diferentes. Plantear su proyecto en esta franja conflictiva entre las dos, es arriesgado y entra de lleno en un debate perceptivo en pleno auge. Ante este conflicto han decidido ayudarse con “la realidad aumentada”, como una pequeña muleta que les dé estabilidad en este difícil cometido.

•Tecnología y creatividad. En esta segunda investigación Lupe, Marina y Nerea, abordan la tecnología desde otro punto de vista: el formal. Para solucionar sus problemas de comunicación y diseño gráfico, parten del punto cero y estudian distintas formas de hacerlo desde el cine, el teatro, la opera. Se utilizan suelos, paredes y techos, se proyecta y se da movimiento a la información formal y espacialmente, se la hace colaborar con el visitante para ayudarle en su desplazamiento y puntos de vista.

•La tecnología aplicada. Quizás sea el trabajo más puramente tecnológico de todos. David, Patricia y Silvia, se han metido de lleno, para encontrar su vidrio inteligente de las Vitrinas 3D, en el mundo comercial de las empresas más avanzadas incluidos sus departamentos de investigación, con productos que están todavía en pleno proceso de experimentación. No importa si no es hoy, será mañana, y su trabajo podrá ser perfectamente utilizado en los próximos años.

De soportes expositivos, hemos pasado en unos meses a hablar de estética, de integración, de industrialización, de coste cero, de tecnología. ¿No es esto una buena señal?

 

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Lime Madrid. Juan Carlos Rico. Dudas y más dudas

Ya hemos comentado en estas bitácoras esa situación, apasionante y difícil a la vez, con la que se enfrenta el investigador a lo largo del desarrollo de su proyecto: por un lado la perplejidad que supone el no saber qué camino tomar en determinados momentos ante la multitud de direcciones posibles, y por el otro, la soledad de no tener más interlocutor que el mismo para tomarla.

La sesión que comentamos fue un excelente ejemplo de todo ello: dudas conceptuales, dudas estructurales y dudas metodológicas, todo un manual sobre los problemas de la investigación.

GRUPO 6º. DISEÑO GRÁFICO. Dudas conceptuales. Cuatro partes componen teóricamente su programa de trabajo: punto de partida del proyecto, la actualización de la comunicación, los objetivos y las propuestas. La discusión de ayer fue fundamentalmente la ordenación de los conceptos ya que podemos afirmar que entre las tres partes primeras y la cuarta, hay una clara diferencia:

Origen, comunicación y objetivos, es la base teórica que va a centrar la auténtica hipótesis de trabajo / investigación en la cuarta: la demo virtual como herramienta de trabajo y, por tanto, soporte de pruebas de todas las posibilidades de aplicación en el campo de la comunicación en las exposiciones. Ese sin duda es su proyecto de investigación: la elaboración de una Demo de Simulación Virtual.

Presentación Teorías e intenciones

 

 

GRUPO 5º. PROTECCIÓN Y SEGURIDAD. Dudas estructurales. Los seguidores de este proyecto habrán comprobado una serie de ideas claras centradas en la tecnología, el mundo físico junto al virtual y la realidad aumentada y, así mismo, una serie de videos donde se reflejan esas intenciones en ejemplos prácticos y que el equipo ha de llevar al mundo de la exposición. ¿Cómo se estructura todo ello?

O dicho de otra manera, 1ª parte: ¿cómo puedo organizar esas ideas teóricas y esas aplicaciones prácticas en un discurso coherente? 2ª parte: ¿cómo trasladarlas al mundo de los museos de una manera eficaz? Para empezar, este fin de semana van a participar en un taller virtual, para conocer con mayor precisión, sus características y su manipulación.

 

GRUPO 1º. SOPORTES VERTICALES. Dudas metodológicas. Sin duda alguna son problemas planteados por el método inductivo, tan discutido a lo largo de la historia desde la filosofía y desde la ciencia.
Ya se han analizado cuatro parámetros agrupados en la denominación de tamaños y formas y ¿ahora qué?¿introducimos algunos nuevos? ¿cuáles?

Como hemos aclarado, en un proceso inductivo avanzamos poco a poco y vamos sumando propiedades en función de los nuevos parámetros que vayamos añadiendo; de esta manera, la estructura / soporte del proyecto ira sirviendo cada vez para más obras, aunque nunca llegaremos a un soporte “universal”, por explicarlo de algún modo.

En consecuencia son importantes los parámetros que introduzcamos, y sobre todo su orden, debemos ir de lo general a lo particular, ha de plantearse una estratificación previa.

¡Dudas, dudas y más dudas, estamos en la génesis de la investigación!

 

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Lime Madrid. Juan Carlos Rico. En la línea de salida

En mes y medio presentamos los proyectos en un congreso internacional, en dos meses acabamos las sesiones de trabajo, en tres meses la presentación del LIME MADRID en la reunión del ICAMT en Lisboa y posteriormente la publicación de todo el desarrollo de esta convocatoria en castellano e ingles; estamos en la línea de salida para emprender el sprint final.

Esta es la razón por la que todos los equipos reestructuran todo su trabajo para darle un contenido coherente, que pueda reflejar a la perfección tanto en las presentaciones en directo como en las publicaciones futuras y, todo el desarrollo de cada propuesta de una manera integral: dificultades, errores, avances y resultados.

GRUPO 3º. VITRINAS. Esfuerzo de síntesis. Su trabajo de va a desarrollar en estos tramos finales en la consecución de todas las investigaciones presentadas a lo largo de las sesiones de trabajo:

1.Estructura programática y valoración. Contiene los siete parámetros de análisis de su propuesta, que va desde la pregunta sobre es una vitrina, su origen y evolución, su incorporación al museo, hasta plantear su experimento con la VITRINA 3D, estudiando especialmente sus capacidades técnicas, su interactividad y su sostenibilidad.

2.Prototipo VITRINA 3D. Tras una evaluación de los puntos anteriores y la definición de las funciones que buscan, elaboran las características que tiene que tener: tamaño y formas, tecnología existente, cualidades y aplicación.

3.Proceso y cronograma, como resumen de tu todo su proyecto.

GRUPO 4º. MOBILIARIO. Tres en uno. Como ya saben nuestros seguidores este equipo plantea un único proyecto, pero debido a su planteamiento inicial se desarrolla en tres niveles interrelacionados, que son difíciles de estructurar tanto en su presentación oral como en la escrita, ya que no tienen una ordenación lineal. En la presentación en el congreso se hace a través de un póster y dos comunicaciones que intenté reflejar en el esquema de la bitácora del 27 del pasado mes en su primera parte. Ayer lo perfilaron un poco más:

Unas reflexiones conjuntas iniciales sobre la necesidad de dar otro carácter perceptivo de la presencia del mobiliario en la exposición, una prioridad de la estética sobre la estática, dilema histórico de este tipo de soportes y nunca resuelto satisfactoriamente: SIN MOBILIARIO. Para ello se plantean tres opciones:

a. Mobiliario integrado en la obra o a la inversa, en donde el artista intervendría activamente

b. Mobiliario integrado en el espacio a través del equipamiento de los Suelos Técnicos.

c. Mobiliario sinérgico y ergonómico, como potenciación del confort físico y psíquico del movimiento del espectador y de la aproximación de la obra.

GRUPO 2º. SOPORTES HORIZONTALES. Una nueva concepción técnica de la exposición. Su propuesta implica dos vertientes claramente separadas pero complementarias: por un lado la metodología y las posibilidades y por otro lado su aplicación práctica a la exposición, lo que ha hecho que en el congreso se le permita una comunicación para la primera y un póster para la segunda, como solicitó.

1.Sistemas estandarizados comprobados, que conforman la planificación, el trabajo en el taller y la comprobación virtual.

2.Estudio de cada uno de las partes: uniones, elementos estructurales: varas, bastidores, carriles, cables y cuerdas.

3.Materiales y técnicas, iluminación, conservación, protección, seguridad, etc.

4.Conclusiones. Construcción en seco, recuperación de materiales, montaje, desmontaje e itinerancia del equipamiento y la gran ventaja de que cada institución tenga un equipo estable (Raider) que pondrá a disposición de cada exposición para su múltiple utilización, pudiendo llegar a instalaciones de coste 0. Interesante, ¿no?

Presentación Una nueva construcción en los museos

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Lime Madrid 2017. Juan Carlos Rico. Una presentación integral

Como sabéis hemos sido invitados a participar en el congreso internacional “Los límites del arte en el museo”, organizado por el Consorcio MUSACCES (UCM-UNED-UAM).

Yo entendía que para dar una visión de los que significa el LIME MADRID, habría que destacar tres partes sustentantes: la teoría en la que se basa y la intención que tiene; la metodología que sigue y los resultados que se obtienen. El tema a desarrollar en la presente convocatoria: Soportes expositivos: nuevas necesidades, diseños y materiales.

  1. Teoría e intenciones. Dentro de este apartado habría que explicar la razón de su génesis, los antecedentes y los problemas que generan cualquier proyecto de investigación humanista dentro de las ciencias sociales. Esta parte será el contenido de mi intervención personal con el siguiente esquema:

LIME MADRID Laboratorio de Investigación y experimentación museográfica

· La necesidad de investigar y experimentar en la museografía

· Complejidad e implicación de muchos profesionales

· La relación con el espacio: problemas específicos

· Una investigación conflictiva, referencias técnicas, sociales y psicológicas.

2. Metodología. Al coincidir con las fechas del Congreso, una de las sesiones de trabajo del LIME MADRID el 29 de noviembre de 2017, de 18:30 a 20:30 en Alcalá 31, se ha propuesto a los responsables del Congreso que aquellos participantes interesados asistieran a ella, para comprobar el trabajo in situ (podría incluso celebrarse esta sesión dentro del congreso, si interesa a los organizadores).

3. Resultados. De los seis proyectos que se están desarrollando en el LIME, han sido presentados al Congreso cinco de ellos (uno triple), en forma de ponencias y poster, que han sido todos ellos aceptados:

GRUPO 1º. Ana Paulina Hernández; Sara Urriza

Del muro a la unidad espacial: una nueva estructura expositiva
GRUPO 2º. Jesús Rodríguez Pedrosa

Adaptación del equipamiento escénico al espacio expositivo.
GRUPO 3º. David Gallardo; Silbia Idoate; Patricia Navarro

La vitrina 3.0. El vidrio inteligente como elemento interactivo dentro de las exposiciones.
GRUPO 4º

Juan Carlos Pavón. Suelos técnicos. La integración espacial del mobiliario

Lucía L. Mendo. Mobiliario y ausencia de descanso.

Marta Martínez. Evolución y recorridos expositivos.

GRUPO 6º. Nerea Gil, Guadalupe Cerezuela; Marina Suarez

Comunicación en el espacio expositivo: estrategias y recursos artísticos. Una aproximación virtual.

De esta manera se tendría una visión completa de los que supone el Laboratorio: teoría, metodología y práctica y su posible traslación a cualquier investigación y experimentación de este tipo.

 

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Lime Madrid 2017. Juan Carlos Rico. El LIME y la realidad

A veces, como en la sesión de trabajo de ayer, la presentación de los grupos implica una reflexión conjunta de carácter más filosófico que científico: ¿qué es el LIME? ¿para qué sirve? ¿qué relación tiene con la realidad?

Esto es muy bueno, en todos los sentidos: nos aleja hacia un punto de vista más alto que nos permite concebir los problemas desde otra prespectiva más genérica, nos lleva a preguntarnos por su aplicación práctica en la situación profesional actual y, lo qué es más importante, nos genera una reflexión personal sobre nuestra actitud en el futuro.

En la bitácora del día 19 de julio hablaba sobre la diferencia entre lo que se hace y lo que se debería hacer, algo que tiene que ver mucho con todo lo que estamos hablando. La discusión la generó la charla del grupo 6º de diseño gráfico:

GRUPO 6º. DISEÑO GRÁFICO. Ejecución y no creación. Este equipo optó ayer por explicarnos su intervención en un proyecto real, nos relataron las condiciones de trabajo, nos expusieron imágenes del resultado y, sobre ellas, establecimos distintas ideas. Pero mucho más importante que hablar de las soluciones, críticas y propuestas de los distintos casos particulares, es más adecuado, alejarnos a un plano más general para entender qué relación mantiene la realidad con el LIME.

Independientemente de las condiciones habituales de bajo presupuesto (lo que bien entendido puede convertirse, en algunos casos, en un aliciente), falta de reflexión, de negociación y, en consecuencia, de planificación, tanto de la idea como el proceso de ejecución (muy habitual en nuestra realidad), y su intervención, que como muy bien definieron, tuvo más un carácter meramente ejecutor de algo ya preestablecido, que de proyecto personal; entiendo que debemos centrarnos en lo que tiene que ver el Laboratorio que estamos desarrollando con esa realidad.

El LIME, como tantas veces he dicho, pretende, independientemente de que lo logre o no, apostar por nuevo, frente a lo malo conocido; es decir, justo lo contrario de las características del trabajo expuesto. No otra cosa es la investigación. Buscar nuevas vías, no solo de realización del proyecto (ideas, materiales, construcción, industrialización, estética, etc.), sino también, de la metodología de trabajo (reflexión personal, diálogo, negociación y planificación ordenada).

Frente a la idea de que lo que debemos hacer es acoplarnos a la realidad tal y como está; cualquier investigación (¡bueno y cualquier universidad, ya que para eso nacieron!), debe criticarla y mejorarla, ya que solo así conseguiremos, tanto a nivel personal individual como social, avanzar. ¡Claro que el LIME tiene que ver con la realidad!

GRUPO 1º. SOPORTES VERTICALES. Demasiados parámetros. Nos presentaron ayer la continuación de su proyecto en busca de una estructura como soporte múltiple dentro de la metodología inductiva como proceso de trabajo. Tal y como ya nos habían enunciado han seguido los siguientes pasos:

1º. Selección de obras de la colección de la Comunidad de Madrid, los suficientemente variadas, como para probar unas condiciones de exposición muy variables. Pinturas convencionales, fotografías, conjuntos, instalaciones, volumétricas, vitrinas, videos.

2º. Estructura matriz escogida en forma de cubo, sobre la que se irán superponiendo.

•Las distintas obras ( que sirva para todas ellas)
•En distintas posiciones (que ofrezca múltiples relaciones con la tesis expositiva y con el espacio.
•Variaciones del módulo- estructura

Me parece acertada la idea de trabajo, pero en un proceso inductivo que se va de lo particular a lo general hay que medir mucho los parámetros que escojamos, tanto a nivel de variables, como la cantidad elegida, ya, que de no ser así, podemos perdernos. Se trata de avanzar, poco a poco. De ello depende la coherencia del resultado. Mi consejo, fue:

1.Que simplificaran al máximo las variables de obras a cuatro, cinco como mucho.
2.Que planificaran los cambios de posiciones con precisión.
3.Que partieran del módulo-cubo inicial, que iría variando por sí mismo conforme fuera adaptándose a los parámetros anteriores,
4.Que fueran escrupulosamente ordenadas en el desarrollo, para no perderse.

No sé cómo nos verá la “realidad profesional”, pero debería conocer lo que hacemos; estoy seguro que muchas de las cosas que se discuten aquí, les interesaría.

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Limemadrid 2017. Juan Carlos Rico. Comunicaciones

Hemos sido invitados a participar los próximos días 28, 29 y 30 de noviembre en el  promovido por el Consorcio MUSACCES, del que forman parte la Universidad Complutense, la Universidad Autónoma de Madrid y la Universidad Nacional de Educación a Distancia.

Dentro del cuarto apartado del Congreso, “Museo innovador en la era digital” , hay dos puntos: Los museos en la era de la información (de la educación) y la relación con la tecnología, que configuran la idea del Museo en siglo XXI y que llevan inexorablemente a la obligatoriedad de la investigación y la experimentación si queremos abrir nuevos caminos. Ahí es donde nosotros queremos aportar la experiencia del LIME MADRID.

Con la idea de tener una idea lo más completa posible, de lo que está suponiendo esta actividad, hemos planteado nuestra intervención en tres niveles:

Teoría. LIME MADRID 2016, 2017. Laboratorio de Investigación y experimentación museográfica. Metodología y resultados. Conferencia impartida por mí.

Praxis. A través de las comunicaciones se presentarán algunos de los proyectos realizados por sus autores, en la convocatoria presente.

Ayer en nuestra sesión semanal de trabajo, estuvimos trabajando conjuntamente los cinco equipos que van a presentar comunicaciones. Repasamos brevemente las propuestas y las discusiones a falta de las decisiones finales de la presentación:

COMUNICACIÓN 1ª. DEL MURO A LA UNIDAD ESPACIAL: UNA NUEVA ESTRUCTURA EXPOSITIVA. Sara Urriza, Paulina Lara

Desde mi punto de vista el proyecto realizado por este equipo tiene tres características importantes, una sobre el método de trabajo, ya que empelan la inducción, es decir, van de lo particular a lo general; el segundo de carácter conceptual, al plantearse que es un soporte expositivo, tercero el técnico al trabajar con una estructura móvil, flexible y ligera.

COMUNICACIÓN 2ª. ADAPTACIÓN DEL EQUIPAMIENTO ESCÉNICO AL ESPACIO EXPOSITIVO. Jesús Rodríguez Pedrosa

Siempre he pensado y, lo he reflejado en muchos textos, que teníamos que conocer con detalle como funcionaba el escenario, ya que podía aportarnos información técnica que nos ayudaría a resolver muchos de los problemas de la sala de exposiciones. Siempre tuve en mente trabajar con escenógrafos. En este momento este es, precisamente, el proyecto que desarrolla Jesús en el LIME MADRID.
COMUNICACIÓN 3ª. LA VITRINA 3.0: EL VIDRIO INTELIGENTE COMO ELEMENTO INTERACTIVO. David Gallardo, Silbia Idoate, Patricia Navarro

Este grupo se ha centrado en el estudio de la frontera de la vitrina: el vidrio, que además de conservar y proteger a la obra, las nuevas tecnologías le han dotado de muchas más posibilidades. Estudios de nuevas funciones y de la tecnología que lo permite aplicar, sin perder por ello, sus misiones tradicionales con respecto a la obra que guarda.
COMUNICACIÓN 4ª. SUELOS TÉCNICOS LA INTEGRACIÓN ESPACIAL DEL MOBILIARIO. Marta Martínez, Lucía L. Mendo, Juan Carlos Pavón

Este equipo ha trabajado bajo unas premisas comunes, que refleja el título anterior, pero por caminos paralelos, lo cual, puede acabar en la presentación de tres comunicaciones complementarias aunque con facetas diferentes del mismo problema. Ergonomía estática y dinámica, provocación de puntos de vistas diferentes de la obra, rampas y miradores, desaparición del mobiliario como elemento independiente, etc.

COMUNICACIÓN 5ª. COMUNICACIÓN, LENGUAJE E INFORMACIÓN EN LAS EXPOSICIONES. Lupe Cerezuela, Nerea Gil, Marina Suárez.

Posiblemente las técnicas de comunicación sean las más estudiadas y evolucionadas, ya que de ellas depende el establecimiento de una opinión establecida, el consumo y la manipulación de todo tipo. Sin embargo todos sus conocimientos no han sido nunca aplicados, en su parte VigRx Plus positiva, en el mundo expositivo. Del potencial del lenguaje, podríamos decir otro tanto (estructuralismo), así como del análisis de la información. Previamente a diseñar una cartela, una hoja de sala o un panel explicativo, hemos de resolver todos estos conocimientos básicos.

Metodología aplicada. Al coincidir con las fechas del Congreso, una de las sesiones de trabajo del LIME MADRID (29 de noviembre de 2017, de 18:30 a 20:30 en Alcalá 31) podría proponerse en el Congreso que aquellas personas interesadas, asistieran a ella, para ver como trabajamos.

Limemadrid 2017. Juan Carlos Rico. Lo que se hace, lo que se debería hacer

Ayer tras la exposición de uno de los grupos surgió una reflexión que considero muy importante y que he repetido hasta la saciedad a mis alumnos y reflejado en numerosos textos: la importancia de mantener siempre separado aquello que hacemos de lo que pensamos que deberíamos hacer. En esta dicotomía está, en mi opinión, la separación entre un buen y un mal profesional. Luego lo expondré con más detalle.

GRUPO 1º. SOPORTES VERTICALES. Sara Urriza Nolan. Una reorganización última. Toda la información requerida a los dos artistas, ha sido ordenada y sintetizada en una serie de apartados, para ponerse ya en marcha en el diseño del soporte- estructura:

1º. Relación soporte – obra
Relación obra- conjunto colección
Localización en el espacio
Estudios de puntos de vista- Alturas
Acercamiento a la obra
Intervención del artista
Ocupación soporte
Relación soporte – espacio
Transporte y montaje
Variabilidad y flexibilidad

2º. Características soporte
Forma. Relación con el trasporte, la modulación y la flexibilidad
Materialidad. Estética y coordinación con la obra
Situación con el espacio
3º. Nuevos parámetros en la ecuación
Adaptación a del soporte a otras obras

Presentación Recopilación

GRUPO 6º. DISEÑO GRÁFICO. Una reflexión importante. Como indicaba en el título de esta bitácora y en su introducción, se estableció la diferencia entre los que hacemos y lo que deberíamos hacer, me explico:

Todos en nuestra vida profesional nos encontramos en la obligatoriedad de ejecutar en la realidad una serie de cosas con las que en nuestro interior no estamos de acuerdo: las haríamos de otra manera. En la museografía ocurre igual.

Mi discusión con los alumnos no ha sido nunca que no hagan lo que les “obligan”, sino que no dejen nunca de pensar simultáneamente en como lo harían ellos, en como lo deberían hacer y en no perder esta metodología tan importante para mantener el crecimiento profesional. En una sociedad como la nuestra tan propensa a “quedarnos como estamos”, esta idea es importante.

Yo no quiero héroes y dada la situación del trabajo, uno no puede prescindir de él, cada vez que no está de acuerdo con los responsables; al revés, cuando no haya posibilidad de diálogo, no se debe perder una energía tan necesaria: simplemente acatar y hacer al dictado, pero eso sí, analizar, estudiar, discutir su propuesta personal y no olvidarla nunca, ya que será la base de su aprendizaje y, en consecuencia, de su profesionalidad.

A todo esto le doy suma importancia simplemente por lo que me ha enseñado la experiencia:

Aquellos que mantienen vivos sus criterios de cómo deberían hacerse las cosas y los trabajan y archivan (repito: aunque no los puedan realizar), tendrán la capacidad de algún día poder, en circunstancias más favorables, llevarlas a cabo.

Por el contrario todos los que eliminan esta segunda actitud paralela, bien por desánimo, bien por cansancio, llegaran a pensar que lo que hacen es la única forma posible de hacerlo y, pasado el tiempo, obligaran a sus colaboradores a hacerla así, sin un atisbo de diálogo ni apertura. A contribuir a quedarnos como estamos.

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Limemadrid 2017. Juan Carlos Rico. Reflexiones sobre el proceso de investigación (2ª parte). Las tres lecturas expositivas

En la última sesión acabamos con una reflexión muy interesante acerca de las diversas lecturas que aplican a la exposición los diferentes profesionales que intervienen y, que en mi opinión, es la base de muchos de los problemas principales que sugen a la hora de realizar un montaje. Es por ello que he decidido transcribir este texto del libro: Museos, del templo al laboratorio, la investigación teórica donde se analiza un interesante experimento que lo demuestra.

Museos del templo al laboratorio

Es así mismo un excelente paradigma de como se ha de realizar una investigación.

Dos ejemplos simbólicos de las tres lecturas: teórica, plástica y espacial

Ambos trabajos se plantearon experimentalmente la primera de ella con un serie de artistas y de arquitectos en un taller experimental para discutir sobre la colocación de un díptico de un autor que estuvo presente en todo el proceso; la segunda fue entre un historiador, un artista (que aportaba su obra) y un arquitecto- Creo que las dos sirven para expresar de una manera real las dificultades y diferencias existentes entre los tres colectivos implicados.

He releído en otros textos la descripción hecha de la primera experiencia y me parece que una vez realizada la siguiente en la que interviene además una historiadora, debería enfocarlo de una manera mas matizada y unificando criterios para las dos.

Creo que simbólicamente expresan las diversas lecturas que tienen cada una de estas profesiones y a modo de icono pueden clarificar al lector de lo que estamos hablando: estas pequeñas muestran arrastran tras de si toda la problemática de dificultad en el diálogo y en la praxis de la difícil relación entre la obra y el espacio

Las premisas de partida son idénticas para ambas, un paramento determinado en una galería de arte, una serie de obras reales de un autor que estaba presente y su disposición (exposición) según cada uno de los especialistas en función de sus criterios profesionales.

1. ¿A que distancia separamos las dos piezas de un díptico? La lectura pictórica, la espacial y la métrica

En este primer caso se trataba de analizar cual es la distancia “idónea” para separar las obras que forman un conjunto, en este caso un díptico cuyo autor lo aportaba al ensayo e intervenía directamente en todo el proceso.

Nos dividimos en tres grupos y cada uno expuso sus propuestas por separado y las llevó a la realidad, es decir situó las dos obras en el paramento para ser realmente analizadas:


a. Grupo de diseñadores (la mayoría arquitectos) planteó una composición basada en el equilibrio espacial y en una relación muy implicada en la arquitectura.

b. Grupo de artistas. Propusieron una colocación de las obras que se distanciaba claramente con respecto a la situación anterior, sobre todo en dimensiones horizontales, ya que en la verticalidad coincidía absolutamente (165 centímetros en el eje medio de la obra en su disposición vertical)

c. Autor. Coincidía prácticamente con la lectura de los artistas, con una serie de variaciones de dimensiones despreciables en su conjunto; podía pues considerarse la misma opción que el grupo anterior.

A partir de este momento comenzaron las reflexiones elemento principal de este interesante experimento y base como he dicho anteriormente de las distintas disposiciones de los profesionales implicados:

· Era evidente que en la lectura de los diseñadores lo prioritario era la composición de las obras (objetos) con el espacio; pesaba mas la relación obra (rectángulos, dos dimensiones) – paramento (rectángulo, dos dimensiones) – habitación (paralelogramo, tres dimensiones). El equilibrio resultante entre los tres componentes era armónico.

· Los artistas y el autor daban absolutamente prioridad a la lectura de la obra, compuesta en este caso por dos piezas. Ciertamente si aislábamos el díptico de su entorno arquitectónica la lectura (pictórica) era mucho mas correcta que en el caso anterior, pero fallaba claramente la composición del conjunto.

La primera conclusión a la que llegamos en esta experiencia es que hay varias posibles lecturas en una exposición, las llamamos en este caso la espacial y la pictórica y ambas son igualmente importantes y para explicarlo quiero recordar un texto que escribí en ¿Por qué no vienen a los museos?

“Las diversas lecturas. .Quiero acentuar aquí, sobre todo a los arquitectos que lo estén leyendo, que tenemos una deformación profesional que lleva a defender la lectura del espacio como única y patrimonio exclusivo de los diseñadores del mismo. No es verdad, hay muchas lecturas y todas ellas complementarias.

El colaborar habitualmente con otras profesiones que tienen que desarrollar su trabajo en el espacio, me ha hecho cambiar radicalmente de mentalidad. Ahora, cada vez mas recurro a ellos para definir matices que antes escogía yo solo, como el color o la ordenación de obras e instalaciones complejas”

Quiero ahora acompañar ese escrito dirigido a los diseñadores con otro a los artistas, expresando el punto de vista contrario: una obra que no tiene en cuenta el entorno arquitectónico no podrá nunca conseguir una visión optima, ya que en una exposición se da un espacio ( tanto puede ser interior como exterior) con sus posibilidades, reglas perceptivas y servidumbres y deben ser atendidas.

¿Qué hicimos? La lectura métrica como consenso

¿Debía mantenerse la lectura pictórica sobre la espacial, o la opuesta? Llegados a este interesante punto decidimos actuar pragmáticamente e intentar conseguir una negociación entre ambas posturas, ya que todos los que interveníamos entendimos que ni una ni otra solución era la idónea o si se quiere la mas equilibrada, ya que priorizaban una u otra opción despreciando la contraria.

Se procedió a lo que llamamos la lectura métrica o lo que es lo mismo a ir variando la separación de los dos cuadros e ir poco a poco encontrando una solución en la que las dos partes estuvieran de acuerdo, exactamente en el mismo proceso que debería seguirse en el montaje de una exposición

2. La obra ¿sola o mal acompañada? Lectura plástica, compositiva y razonada

Muchos años después y dada la importancia que para mi tuvo la experiencia anterior, decidí repetir el proceso pero incorporando al tercer grupo profesional implicado, los teóricos responsables de una exposición, para que el proceso quedara completo. Esta vez las premisas de partida eran diferentes.


Nos reunimos en el mismo espacio y frente al mismo paramento dos artistas, uno de los cuales era el autor de la obra en cuestión, dos arquitectos y un diseñador de montaje de exposiciones y una historiadora que dirigía diferentes muestras de arte contemporáneo. Se partió de una idea básica que consistía en colocar en el paramento elegido un cuadro que era la pieza fundamental de la posible exposición. Así lo planteó cada grupo:

· Autor / artistas. Con la idea de mitificar la obra dentro del conjunto, propusieron que la obra quedara sola en todo el muro, dejando los restantes paramentos para el resto de la exposición que quedaría mucho mas “concentrada”, en definitiva sería una forma de expresar una de las leyes de la percepción espacial que nos habla de la potenciación de cualquier elemento según el ritmo (aislamiento / concentración)

· Arquitectos / diseñador. De nuevo el peso de la composición espacial tanto del paramento como de la sala. Si se dejaba tal y como quería el autor, habría una desproporción entre los cuatro paramentos que en nada beneficiarían a la exposición en su conjunto. Proponían armonizarlo añadiendo dos piezas secundarias que aun manteniendo la prioridad de la obra base, la relacionase mas continuamente con el resto.

· Historiadora. Introdujo un nuevo concepto la lectura del conjunto frente a la lectura de la unidad. Si ella fuera la responsable de la muestra añadiría dos obras de la colección que a su entender no solo clarificarían la lectura general sino que también servirían para potenciar la obra elegida.

De nuevo se enfrentaban las lecturas plástica y espacial, como en el caso anterior a la que se añadía una nueva lectura la teórica, razonada, o como queramos llamarla. Con respecto a esta última, me gustaría añadir otro texto que incite a la reflexión de ¿Por qué no vienen a los museos?, al que titulaba: Las exposiciones no son libros colgados de las paredes

“Siguiendo con las discusiones y reflexiones colectivas, surgen estas nuevas preguntas.

· Cuando hablamos con la gente que sale de una de las grandes exposiciones temáticas y temporales que se diseñan en los últimos años y les preguntamos su impresión, nos contestan siempre con ideas basadas en el discurso expositivo, en las explicaciones del proceso, en diversas anécdotas y curiosidades; pero prácticamente nadie nos comenta su relación con alguna obra en concreto.

Hay una especie de contradicción, ya que se han traído obras que posiblemente no se volverán a ver, en un proceso costoso en todos los sentidos y que en realidad pasan “desapercibidas”.

Nos preguntamos entonces, si esa persona no habría vivido la misma experiencia, al ver el catálogo cómodamente sentada en su casa.

· Normalmente al plantear una exposición, se recurre al mejor o mejores especialistas en el tema, que desarrolla, dados sus conocimientos, una brillante tesis para la muestra. El problema va a surgir cuando ese discurso (en vez de quedar reflejado en un libro o en cualquier otro medio de comunicación mas idóneo), se lleva al espacio, que como hemos dicho “no es inocente”.

· En general entendemos que el proceso debe ser el inverso: se debe promover una exposición solo cuando lo que busquemos implique necesariamente enfrentarse al objeto como intención principal y todo lo demás supeditarlo a ello.

Si en la experiencia primera genero un consenso mas o menos aceptado, en esta segunda no fue posible puesto que estábamos hablando de conceptos muy diferentes que como he dicho representan en una unidad microscópica el problema fundamental entre la teoría, la práctica y la obra, entre la relación contenido – contenedor, entre los diversos profesionales que los representan, en definitiva de todos los problemas que tenemos día a día en el montaje de una exposición.

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Publicación original en el blog de Juan Carlos Rico

LimeMadrid 2017. Juan Carlos Rico. Aprendiendo a investigar

“A investigar se aprende investigando”. Mario Bunge

Mario Bunge es un físico y filósofo argentino, firme partidario de la colaboración entre la ciencia y la filosofía, que está aportando muchas ideas sobre los procesos de investigación. Una de ellas es la que figura en el comienzo y quedó plenamente demostrada en la sección de ayer.

GRUPO 1º. JESUS RODRIGUEZ PEDROSA. Soportes horizontales. (Des) organización del montaje. Como ya hemos visto en bitácoras anteriores, el proyecto desarrollado por Jesús, se basa en la posible aplicación de la tecnología escenográfica en los espacios expositivos. Habíamos tenido charlas personales sobre la organización de un montaje expositivo, que desconocía, para compararlo con el proceso de una escenografía, que maneja perfectamente. Tras la lectura de una serie de libros sobre el tema, en la sesión de ayer se dedicó a estudiar esa confrontación. Vamos a revisarlo punto por punto:

1.(Teatro) En la escenografía el máximo responsable es el director de la obra; (museo) en la exposición es el comisario.

2.(Teatro) Se propone a un productor la representación de la obra; (museo)se plantea a una institución la asunción de la exposición.

3.(Teatro) Se elabora entre el director y el productor los equipos independientes de cada una de las partes que componen la escenografía; (museo) comisario e institución eligen un diseñador y una empresa de montaje que asume toda la parte técnica en su conjunto.

4. (Teatro) Organización transversal entre director / productor / equipos técnicos; (museo) organización jerárquica comisario / diseñador / empresa de montaje.

5. Documentación. (Teatro) Planos técnicos especificados al detalle en cada una de las áreas técnicas, de manera que se pueden montar directamente e independientemente unos de otros; (museo) planos generales que sirven de base para una definición definitiva sobre la marcha in situ.

Como conclusión podemos decir que en la escenografía todo el proceso de montaje esta previamente ordenado y totalmente tecnificado, lo que repercute en una definición estricta de los tiempos, mientras que en el montaje de una exposición depende de los criterios sobre la marcha que van surgiendo a lo largo del proceso; hay un control menor de los tiempos.

Presentación (Des) organización museos

GRUPO 3º. DAVID GALLARDO LÓPEZ. Vitrinas. Nuevos parámetros imprescindibles. Hasta ahora, este grupo ha trabajados dos puntos sobre el tema del vidrio de las vitrinas: las nuevas funciones que deberían poder ser aplicadas en las vitrinas, y el estudio de las tipologías de los llamados “vidrios inteligentes”, que permitirían integrarlas. No obstante, se había olvidado unos parámetros fundamentales: ¿estos nuevos vidrios podrán mantener las funciones básicas de conservación, protección y seguridad, para las que están hechos estos soportes? Si no es así, estamos en un proceso erróneo, ya que simplemente sustituimos unas funciones por otras, no sumamos.

El trabajo que se ha desarrollado esta semana, ha sido el estructurar precisamente estos nuevos parámetros a través de siete grupos en los que se va comprobando como responden los vidrios inteligentes al control acústico, al control de la iluminación, a los elementos ornamentales, al aislamiento térmico, al fuego, a la protección y a la seguridad. Con todo ello, a partir de ahora trabajaran en tres grupos:

  1. Especificidades de cada vidrio (obra-vidrio)
  2. Relación con el espacio (obra-vidrio-entorno)
  3. Relación con el visitante (obra-vidrio-individuo)

GRUPO 6º. LUPE CEREZUELA, NEREA GIL. Diseño gráfico. Recapitulación teórica y formal. A veces el mismo desarrollo de la investigación, nos hace parar y recomponer todo lo hecho hasta la fecha. Este grupo ha recopilado y ampliado todo lo hecho tanto desde un punto de vista teórico como práctico.

En el primer caso han recopilado una serie de ideas de sobre textos de Philip Hughes, Herbert Bayer, Jorge Ribalta y el método Ekarv en cuanto a organización del texto. Acaban con un esquema sobre los nuevos planteamiento con los que van a seguir desarrollando el proyecto.

Presentación Diseño gráfico. Teoría

En una segunda parte describieron el mismo proceso de recapitulación sobre ejemplo prácticos que van a analizar para aplicarlos en el grafismo de la exposición. Añadieron un video del artista Pablo Valbuena y su obra Kinematope, para ver la posibilidad de crear un grafismo dinámico, rítmico, no dinámico, sonoro. Como si se tratase de una película; crecer y decrecer. Con todos estos recursos van a replantear su proyecto de diseño gráfico. Yo les sugería que lo planteen ya prácticamente para ir tanteando las posibilidades y los resultados.

Presentación Diseño gráfico. Práctica

Creo que en estos tres casos queda claro la máxima de Mario Bunge: a investigar se aprende investigando, ya que es el propio proceso, el que va ampliando, complejizando el proyecto, para darle una cobertura lo más general posible.

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